Apr
03
Augen – Zähne – Lippen
Für diese drei Teilbereiche fallen sehr ähnliche Bearbeitungs-Methoden an, weshalb ich sie hier in diesem Kapitel zusammenfasse.
Bei den Augen geht es darum, das Weiß des Augapfels besser zur Geltung zu bringen, die Iris zu schärfen und evtl. die Augenfarbe herauszuarbeiten oder gar zu verändern.
Für das Augenweiß benutze ich folgende, einfache Methode:
- Auswahl des weißen Bereiches des ersten Auges mit dem Lasso (ich bearbeite beide Augen getrennt voneinander, damit ich am Ende die Helligkeit auch getrennt steuern kann). Der Auswahl gebe ich per „Auswahl -> Kante verbessern -> weiche Kante“ eine weiche Kante von 3px (variiert etwas mit der Dateigröße des Bildes). Diese Auswahl wird nun kopiert und per Einfügen als neue Ebene über die Arbeitsebene gelegt.
- Diese neue Ebene wird nun mit „Bild -> Korrekturen -> Farbton/Sättigung“ komplett entsättigt (den Sättigungsregler ganz nach links schieben)
- Nun wird diese Ebene in den Verrechnungsmodus „Negativ Multiplizieren“ gesetzt.
- Das Ergebnis ist natürlich extrem zu hell. Ich reduziere also die Deckkraft zunächst ganz auf „0“ und schiebe sie dann langsam wieder höher, bis ich den idealen Wert habe. Wichtig ist, dass man hier nicht übertreibt, da es sonst unnatürlich aussieht (weniger ist auch hier oft mehr !)
- Nun aktiviere ich wieder die Arbeitsebene und wiederhole diese Schritte mit dem zweiten Auge. Über die Deckkraft passe ich nun die beiden Augen in der Helligkeit so an, dass es mit dem ursprünglichen Licht auch hinkommt – meistens muss ein Auge etwas heller sein, als das andere, wenn das Licht von der Seite kam.
Die Iris wähle ich auch mit dem Lasso und weicher Kante aus und schärfe sie mit „ Filter -> Scharfzeichnungsfilter -> Unscharf Maskieren“. Hier benutze ich meist einen Radius von 0,2 und eine Stärke von 500%.
Zum Ändern der Augenfarbe kann man einfach eine Ebene über die Arbeitsebene legen und diese mit der gewünschten Farbe füllen und ihr dann eine negative Maske geben (Alt-Taste halten und auf das Masken-Symbol klicken). Danach kann man mit einem weichen, weißen Pinsel die Farbe auf die Iris übertragen und sodann die Deckkraft so reduzieren, dass das Ganze natürlich aussieht.
Die Zähne werden ganz genau so wie das Augenweiß bearbeitet. Kurzform: Auswählen mit weicher Kante, kopieren, einfügen, entsättigen, negativ multiplizieren, Deckkraft verringern.
Bei den Lippen geht es mir hauptsächlich darum, ihnen mehr Ausdruck durch einen stärkeren Kontrast zu geben und die Farbe des Lippenstiftes zu verstärken. Hierzu wähle ich die Lippen mit weicher Kante aus, kopiere sie auf eine neue Ebene und versetze diese in den Verrechnungsmodus „Multiplizieren“, danach auch wieder die Deckkraft entsprechend einstellen.
That’s it – Quick & Dirty !!!
Mrz
02
Diese Technik (Abwedeln und Nachbelichten) wurde bereits in der analogen Zeit der Bildentwicklung im Labor eingesetzt, hier wurden mit Hilfe von Masken z.B. helle Bildbereiche abgedeckt und die verbleibenden dunklen Bereiche etwas länger belichtet, oder umgekehrt die dunklen Bereiche abgedeckt und die zu hellen Bereiche durch „Abwedeln“ weniger belichtet.
Heute bietet Photoshop hierzu zwei Werkzeuge an, das „Abwedler-Werkzeug“ hellt auf (Dodge), das „Nachbelichter-Werkzeug“ dunkelt ab (Burn).
Man kann diese Werkzeuge zwar direkt auf seinem Bild anwenden, was aber nicht empfehlenswert wäre, sie sind nämlich „destruktiv“, d.h. es werden die Pixel unwiederbringlich verändert. Die Werkzeuge werden wie ein Pinsel verwendet und haben zahlreiche Einstellungsmöglichkeiten für Härte, Deckkraft, Fluss und man kann auch unter drei Vorgaben wählen, ob sich die Auswirkung des Werkzeugs auf alle, nur dunklere (Tiefen) oder nur hellere (Lichter) auswirkt.
Dies führt bereits zur ersten „Hürde“: will man „non-destruktiv“ arbeiten, so geht das nur auf einer extra Ebene. Sinnvoller Weise kreiert man dafür eine neue Ebene über dem Portrait und weißt dieser den Verrechnungsmodus „Weiches Licht“ zu und füllt sie mit „Neutralem Grau“ (dafür gibt es in dem Dialog Ebene ->Neu->Ebene die entsprechend zu wählenden Parameter).
Durch den Modus „Weiches Licht“ wird von der neuen Ebene mit dem darunter liegenden Portrait alles verrechnet, was heller oder dunkler ist, als Neutralgrau – also in unserem Fall gar nichts – deshalb sehen wir unverändert unser Portrait wie vorher.
Male ich aber nun mit einem schwarzen Pinsel auf dieser grauen Ebene, so wird die schwarze Farbe sofort mit dem Portrait verrechnet, also wird der betroffene Teil dunkler. Mit weißer Farbe wird er heller.
Wichtig für das Verständnis dieser Technik ist: durch das „Malen“ verändert man hier keine Textur, sondern man hellt die vorhandene Textur auf, oder dunkelt sie ab! Man fügt keine Pixel hinzu, sondern verändert nur deren Helligkeit.
Man könnte natürlich auch auf einer transparenten Ebene das Gleiche machen – nur würde man da z.B. feine Pinselstriche mit schwacher Deckung überhaupt nicht mehr sehen können!
Ein großer Vorteil dieser Technik mit der Grauebene ist also, dass man zu jeder Zeit weiß, welche Bereiche des Bildes bearbeitet wurden. Selbst Pinselstriche mit sehr geringer Deckkraft sind auf der grauen Ebene sehr gut sichtbar.
Dies ist bereits alles, was man grundlegend zu dieser Technik wissen muss und man kann dadurch Licht und Schatten „malen“. Anstelle eines Pinsels, kann man natürlich auch mit den Werkzeugen „Abwedeln“ und „Nachbelichten“ arbeiten.
Der Rest ist Übungssache. Ich male grundsätzlich mit einem ganz weichen Pinsel, oft mit reduzierter Deckkraft und/oder reduziertem Fluss, damit ich mich mit mehreren Pinselstrichen dem gewünschten Ergebnis langsam nähern kann. Am Ende reduziere ich dann i.d.R. noch die Deckkraft der bemalten Grau-Ebene, da auch bei dieser Technik das Motto gilt: weniger ist oft mehr!
Diese Technik kann noch durch folgende Maßnahmen verbessert werden: statt nur einer Grau-Ebene kann man sich drei dieser Ebenen übereinander legen und alle drei in den Verrechnungsmodus „Ineinanderkopieren“ setzen.
Von unten nach oben nenne ich diese Ebenen „Tiefen“, „Mitteltöne“ und „Lichter“. Mit einem Doppelklick auf die Ebene „Tiefen“ werden die „Fülloptionen“ aufgerufen. Dort kann man im unteren Bereich den „Farbbereich“ auswählen, auf den die aktuelle Ebene wirken soll. Hier stellt man den Weißregler auf einen Wert von 85 ein – somit wirkt sich die Ebene nur auf die Tiefen aus. Der Übergang wird hierdurch aber sehr hart, weswegen man mit der „Alt“-Taste auf den Regler klickt und man ihn so „aufsplitten“ kann und praktisch zwei Regler bekommt, die man dann von 75 bis 90 einstellen kann. Der Schwarzregler bleibt unangetastet.
Die Ebene „Mitteltöne“ wird mit den gleichen Maßnahmen aufgerufen, hier stellt man aber beide (gesplittete) Regler ein und zwar den Schwarzregler auf 75-95 und den Weißregler auf 160-180.
Und schließlich stellt man in der Ebene „Lichter“ den Schwarzregler auf 160-180.
Somit kann man gezielter und detaillierter in den verschiedenen Helligkeitsbereichen arbeiten.
Zum Abschluß aber hier noch eine weitere Methode, mit der ich sehr gerne arbeite, nämlich mit Gradationskurven.
Ich erstelle mit gedrückter „Alt“-Taste (dadurch wird die Ebene direkt invertiert) zwei neue „Überlagerungsebenen ->Gradationskurve“ über meiner Portrait-Ebene. Die untere nenne ich „Tiefen“, die obere „Lichter“.
Nun dunkle ich die untere Gradationskurve in den Mitteltönen ab und helle die obere auf. Nun kann ich mit weißer Pinselfarbe in beiden Ebenen malen und so selektiv aufhellen oder abdunkeln. Und ich kann nachträglich die Gradationskurven ändern und so sehr feine Einstellungen bewirken. Meistens zeichne ich diese Ebenen noch mit dem „Gausschen Weichzeichner“ weich, dann sieht man die einzelnen Pinselstriche nicht.
Nicht unerwähnt bleiben darf in diesem Zusammenhang , dass diese Technik auch sehr effektiv angewandt wird, um Bilder insgesamt plastischer wirken zu lassen. Schließlich beeinflusst man damit die gesamte Lichtsituation, betont Lichter oder Schatten (oder fügt diese einem Bild zu). Oftmals überlagert man die „D&B-Ebene(n)“ noch mit weiteren Einstellungsebenen, um z.B. Kontraste zu bearbeiten. Hierzu bietet es sich z.B. an, eine Ebene aus den „Kanälen“ zu kopieren, um so auf einer (z.B. der Ebene des Blaukanals) schwarzweißen Ebene die Kontraste (und somit die „Störungen“) besser erkennen zu können.
Für heute soll diese Einführung in Dodge&Burn genügen.
Der nächste Teil in der Serie Portrait-Retusche zeigt ein paar kurze, aber wirkungsvolle Techniken zur Bearbeitung von Augen, Lippen und Zähnen.
Jan
29
Portrait-Retusche . . . Teil 2 (Haut)
Die Erzeugung eines angenehmen und natürlich wirkenden Hautbildes beginnt mit der Entfernung von Störungen (Pickel, Flecken, Reizungen). Zunächst eine sehr schnelle Lösung, die sich aber nur bei ohnehin schon fast makelloser Haut anbietet, bei der nur kleinere Korrekturen vonnöten sind. Hierzu dienen zwei Werkzeuge: das „Ausbessern-Werkzeug“ und den „Reparaturpinsel“.
Insbesondere der Reparaturpinsel hat seine „Tücken“, wenn man ihn zu groß wählt, wenn die Härte nicht stimmt (meistens wenn zu hart) und wenn er im Randbereich von stärkeren Kontrastunterschieden oder Tonwertunterschieden verwendet wird.
Natürlich können diese Reparaturen der Haut auch mit komplexeren Techniken erledigt werden, wie z.B. „Dodge&Burn“ oder „Frequenztrennung“ – wir sprechen diese Techniken ebenfalls an.
Hier zunächst das Beispielbild aus Teil 1 und die Stellen, die mit den beiden oben genannten Werkzeugen korrigiert wurden.
Zunächst die Stellen, die ich mit dem Ausbessern-Werkzeug bearbeite (hier rot umrandet). Ich markiere eine „Störung“ zunächst mit dem „Lasso“ (Taste „L“). Dann wähle ich das Ausbessern-Werkzeug und gehe damit in den ausgewählten Bereich hinein, drücke die linke Maustaste, halte sie und ziehe die Stelle nun in eine benachbarte Gegend, die keine Störung enthält. Sobald ich die Maustaste loslasse, geschieht die Reparatur unter der ursprünglich gewählten Stelle. Das Besondere hieran ist, dass auch gleich die richtigen Helligkeitswerte errechnet und „eingebaut“ werden, man sieht so keine Ränder.
Die blau gekennzeichneten Stellen werden mit dem Reparaturpinsel bearbeitet (wäre ebenso mit dem Ausbessern-Werkzeug gegangen).
Hier die Vorher-Nachher-Ansicht nach der Bearbeitung:
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Dies war – wie gesagt – die schnelle Methode – „quick&dirty“ – mit der man aber auch schnell an Grenzen stößt. In diesem Bild sind z.B. an der Stirn und im rechten Bildteil unter dem Auge einige Haare zu sehen, die mit dieser Methode nicht gut entfernt werden können. Es gibt zwei etwas aufwändigere Techniken der Hautretusche, die aber auch zu besseren, hochwertigeren Ergebnissen führen. Sie sind komplett mit Photoshop-Mitteln – also ohne Zusatzprogramme oder Plugins – zu realisieren, obwohl es zahlreiche sogenannte „Profi-Tools“, Plugins, Zusatzprogramme zur Portrait-Retusche gibt, die aber auf genau diese Techniken zurückgreifen. Ich spreche von „Frequenztrennung“ und von „Dodge & Burn“. Betrachten wir uns diese etwas genauer.
1) Frequenztrennung
Wieso eigentlich der Begriff „Frequenz“ in diesem Zusammenhang? Nun, man kann die Informationen in einem Bild in zwei unterschiedliche „Frequenzen“ aufteilen: eine Hochfrequenz – nämlich die in hoher Zahl vorkommenden Partikel wie Strukturen, Poren, Haare, Störungen – und auf der anderen Seite eine Niedrigfrequenz – also großflächig vorhandene Dinge wie Farbtöne, Schatten, Helligkeit, Tonwerte.
Mein „Workflow“ sieht folgendermaßen aus:
nachdem ich das betreffende Bild in Photoshop geladen habe, mache ich zwei Kopien der Hintergrundebene (STRG- J) und nenne die erste Kopie nun „LOW“ und die zweite (obere) Ebene bekommt den Namen „High“. Nun blende ich die „High“ -Ebene aus (das Auge links neben dem Ebenen-Icon wegklicken), damit diese unsichtbar wird. Mit einem Mausklick in die Ebene „LOW“ aktiviere ich diese.
Nun wende ich auf dieser Ebene den Filter->Weichzeichnungsfilter-> Gaußscher Weichzeichner an. Den Regler ziehe ich so weit nach rechts, bis alle Poren oder Störungen verschwunden sind – der Reglerwert variiert natürlich von Bild zu Bild, liegt aber in den meisten Fällen etwa zwischen 7 und 10. Wichtig ist, dass man sich den eingestellten Wert gut merkt, da diese r Wert später noch einmal eine Rolle spielt! Also am besten notieren.
Nun wird die „High“-Ebene wieder eingeblendet und ich klicke auf Bild->Bildberechnung und stelle in dem sich öffnenden Fenster die folgenden Werte ein (je nachdem, in welcher Bit-Tiefe das Bild vorliegt):
Bei 8-Bit: RGB-Kanal nicht umkehren, Mischmodus auf „Subtrahieren“, Skalieren auf „2“ und Versatz auf „128“.
Bei 16-Bit: RGB-Kanal umkehren, Mischmodus auf „Addieren“, Skalieren auf „2“, Versatz auf „o“.
Beachten: in dem Auswahlfeld „Ebene“ muss die Ebene des weichgezeichneten Low-Frequency-Bildes ausgewählt sein (im Beispiel die „LOW-Ebene) !
Jetzt wird die aktive „High“-Ebene auf den Ebenen-Modus „Lineares Licht“ gestellt. Das angezeigte Bild muss nun genau so aussehen, wie das ursprüngliche Original.
Ab hier gibt es sehr viele Wege, die zum Ziel führen. Ich empfehle zunächst mit Werkzeugen wie Pinsel,Kopierstempel und Reparaturpinsel zu arbeiten und zwar auf der „LOW“-Ebene mit sehr geringer Härte die Lichter, Schatten, Farbtöne und auf der „High“-Ebene mit größerer Härte die Details zu bearbeiten.
Wenn Sie zwischen die „LOW“- und die „HIGH“-Ebene noch eine Ebene als „Arbeitsebene“ einfügen, können Sie die Korrekturen auf dieser Ebene machen und diese dann sehr schön per „Deckkraft“ zu regeln!
Hier das Ergebnis der Hautbearbeitung mit der Frequenztrennungs-Technik:
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Übrigens hätte man die Ebenen LOW und HIGH auch als Smartobjekte anlegen können, dann könnte man die Filter auch nachträglich noch korrigieren und verändern.
Ebenso könnte man eine zusätzliche „Dodge&Burn“ -Bearbeitung durchführen, um weitere Verbesserungen herbeizuführen – dazu aber beim nächsten Mal mehr, da die Technik Dodge&Burn ein extra-Kapitel wert ist.
Jan
06
Portrait-Retusche . . . Teil 1
In dieser Serie möchte ich zeigen, wie und mit welchen Mitteln ich ein Portrait retuschiere. Vorweg aber ein paar Worte zur Portrait-Retusche generell:
Nicht selten habe ich die Meinung gehört, ein gutes Foto müsse nicht retuschiert werden. Oder: eine Retusche ist eine Verfälschung der Tatsachen.
Beides ist gleichzeitig richtig und falsch !
Richtig ist: eine Retusche muss nicht zwangsläufig gemacht werden. Und richtig ist auch, dass eine übertriebene oder falsch angelegte Retusche ein Bild verderben kann – ganz besonders in der Portraitfotografie.
Dennoch gibt es durchaus Berechtigungen für eine gewissenhafte und mit den richtigen Maßnahmen und Werkzeugen durchgeführte Retusche, man denke nur an die sehr aufwändigen Arbeiten für den Druck eines Modemagazins. Retusche ist aber auch da berechtigt, wo nachteilige Bildelemente entfernt werden, wie etwa Hautunreinheiten, kleine Wunden, Kratzer, aber auch durch die Fotografie entstandene oder eben nicht entstandene Lichtreflektionen und vieles mehr. Allerdings bin ich auch ein Befürworter der Tatsache, dass eine maßlose Übertreibung – z.B. die Änderung von Gesichtsformen – eher in den Bereich Bildbearbeitung/Montage gehören – und, dass man eine gute Retusche daran erkennt, dass man sie (fast) gar nicht bemerkt, wenn man nur das Ergebnisbild sieht.
In diesem Sinne gehen wir’s an ! Alle Werkzeuge sind in dem Programm Photoshop enthalten, es gilt lediglich zu lernen, welche Werkzeuge wann optimal eingesetzt werden können und welche Techniken zum bestmöglichen Erfolg führen.
Mein Weg durch die Portraitretusche ist übrigens bei weitem nicht der einzige – und vermutlich auch nicht immer der schnellste – es führen, wie immer, viele Wege nach Rom.
Schauen wir uns also zuerst das Portrait einer jungen Dame im Original an.
Die erste Überlegung gilt dem Beschnitt des Bildes – in diesem Fall belasse ich es bei dem Original, ebenso wie die Hintergrundgestaltung. Es gibt im Hintergrund lediglich ein paar kleine Sensor-Flecken, die ich mit dem „Ausbessern“-Werkzeug schnell entferne.
Bei größeren „Störfaktoren“ – hier z.B. ein Kabel, welches vom Kopf zum rechten Bildrand reicht, benutze ich gerne die Funktion „Fläche ersetzen“. Dazu wird das „Störobjekt“ zuerst mit dem Lasso-Werkzeug (Shift+L) ausgewählt, dann ruft man über „Bearbeiten->Fläche füllen“ die Funktion auf und wählt im oberen Fensterchen die Option „Inhaltsbasiert“. Je nachdem, wie die Auswahl „gelegt“ wurde, kann es manchmal zu unerwünschten Effekten kommen, das hat man aber schnell im Griff mit ein wenig Übung.
Nun kommen wir zum eigentlichen Thema : die Haar-Retusche. In der Regel stehen immer irgendwo Haare ab. Diese entfernt man am einfachsten mit dem Kopierstempel, den man mit (Shift+S) aufruft. Mit diesem nimmt man den nächstliegenden Bereich des Hintergrundes auf (ALT+linke Maustaste in den Hintergrund) und platziert dieses aufgenommene Stück per Links-Klick auf die gewünschte Stelle. Bei einem homogenen Hintergrund kann man den Inhalt des Kopierstempels immer wieder benutzen, muss also für weitere Korrekturen nur noch den Links-Klick an den betreffenden Stellen machen, wo die Haare abstehen, man kann den Stempel sogar „ziehen“ mit gehaltener linker Maustaste.
Auch das ist Übungssache, man lernt schnell, wie die Unterschiede sich auswirken mit unterschiedlichen Härteeinstellungen des Pinsels, mit unterschiedlichen Pinselgrößen, oder mit unterschiedlicher Deckkraft.
Nach dem Wegstempeln der überstehenden Haare möchte ich nun bei dem vorliegenden Portrait die Lichtsituation ändern: die überstrahlten Lichteinfälle durch einen hinter dem Model stehenden Blitz sollen reduziert, oder ganz eliminiert werden. Das ist zwar ein ziemlich „heftiger“ Eingriff, der eigentlich die ganze Fotografie ändert, aber es geht ja in diesem Kurs darum, was machbar ist und wie ich die Aufgaben angehe.
Hier habe mich dazu entschieden, die hellen Bereiche einfach mit dunklen Haaren zu übermalen.
Dazu wähle ich einen Pinsel mit der Größe 1 oder 2 Pixel, einer Deckkraft von 50% und einer Härte von 100%. Die Einstellung eines solchen Pinsels geh am schnellsten über die „Pinselpalette“, sie wird mit >>F5<< aufgerufen. Ich habe zur Veranschaulichung die Stellen mit roten Pfeilen markiert, wo ich Einstellungen gemacht habe. Die Deckkraft von 50% dienst dazu, dass man so auch transparente Bereiche schaffen kann. Bevor ich mit diesem Pinsel nun einzelne Haare male, nehme ich mit der Pipette noch die jeweils passende Farbe benachbarter Haare auf.
Einzelne Haare zu malen ist zugegebener Maßen eine Geduldsarbeit – sie lohnt sich aber zu üben, weil sie in anderen Projekten durchaus besser und praktikabler sein kann, als z.B. eine Freistellung!
So weit also Teil 1, hier nochmal die Gegenüberstellung der bisher erledigten Arbeit. Im Teil 2 wende ich mich der Haut-Retusche zu. Bis dann, viel Spaß beim Retuschieren, liebe Grüße,
Manfred Vaeth
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Dez
15
Farbe verändern in Lightroom
Wer glaubt, dass man nur in Photoshop Objekte anders einfärben kann, sollte einmal folgendes versuchen in Lightroom:
1) Aktivieren Sie zunächst im Modul „Entwickeln“ den Korrekturpinsel.
2) Regeln Sie nun die Sättigung ganz nach links (auf -100). Fahren Sie jetzt mit dem Korrekturpinsel über Ihr Objekt (im Beispiel habe ich eine der gleichfarbig grauen Mercedes-Limousinen gewählt).Sie sehen es nun in völlig entsättigter Form, also in Graustufen.
3) Abschließend wählen Sie über das Farbfeld <Farbe> den gewünschten Farbton….Et voilà !
Sie können nun noch mit dem Sättigungsregler die ursprüngliche mit der neuen Farbe mischen, oder durch ein- oder mehrfaches Duplizieren der Einstellung des Korrekturpinsels den Farbton in der Sättigung verstärken – dazu klicken Sie einfach mit dem Befehl <Strg>-<Alt> auf den Bearbeitungspunkt.
Dez
15
Der goldene Schnitt – als Anwendung bei der Bildgestaltung.
Nun fangt bitte nicht gleich an zu gähnen, nach dem Motto „schon wieder dieser goldene Schnitt“ – ich weiß, jeder, der sich ernsthaft mit Bildgestaltung beschäftigt, wird schon viel darüber gelesen haben und nicht jeder Bildgestalter hat automatisch eine Affinität zur Mathematik oder Geometrie. Klar. ABER: gerade WEIL das Thema immer wieder präsent ist, sollte man zumindest genau darüber bescheid wissen. Und : wie das folgende Bildbeispiel beweist, lohnt es sich schon, etwas tiefer in die Materie einzusteigen.
Unsere Bildfläche ist im Format 2×3, ein gängiges Querformat.
Die roten Hilfslinien folgen allesamt den Regeln des goldenen Schnittes – wie man sieht, gibt es einige goldene Schnitte in so einer Bildfläche. Die Kreuzungspunkte der waagerechten und senkrechten sind also Punkte, die gleich mehrere goldene Schnitte beinhalten und somit besonders beliebt sind, um in ihnen (oder um sie herum) die bildwichtigsten Elemente zu platzieren – etwa ein Auge bei einem Portrait.
Der Vollständigkeit halber hier etwas graue Theorie über die „Findung“ des goldenen Schnittes (Quelle Wikipedia):
Als Goldenen Schnitt (alternative Schreibweise: goldener Schnitt;[1] lateinisch: sectio aurea, proportio divina) bezeichnet man das Teilungsverhältnis einer Strecke oder anderen Größe, bei dem das Verhältnis des Ganzen zu seinem größeren Teil (auch Major genannt) dem Verhältnis des größeren zum kleineren Teil (dem Minor) entspricht. Als Formel ausgedrückt (mit als Major und als Minor) gilt:
Nahezu jedem Fotografen ist die „Drittel-Regel“, auch oft „Zwei-Drittel-Regel“ genannt, bekannt. Auch sie findet ihren Ursprung im goldenen Schnitt, es handelt sich um eine Vereinfachung für den Umgang in der Fotopraxis. Die Bildfläche wird in drei gleich große horizontale bzw. vertikale Streifen unterteilt und die Bildmotive werden an den Trennlinien oder den Schnittpunkten verteilt.
Im folgenden Bild steht ein Wasserglas exakt auf einer solchen Trennlinie, also im goldenen Schnitt – und trotzdem scheint es irgendwie nicht so ganz “ richtig“ plaziert zu sein…
8 von 10 meiner „Testpersonen“ haben angegeben, dass sie das Glas „gefühlsmäßig“ nicht richtig plaziert sehen oder dass sie das Bild nicht wirklich harmonisch empfinden. Hier zunächst also das Bild – die eingezeichneten Hilfslinien geben in ihren Schnittpunkten den goldenen Schnitt wieder und Objekte, die auf diesen Linien liegen, sollen also „auf dem goldenen Schnitt liegen“ und somit die bestmögliche Harmonie im Bild erzeugen.
Warum habe ich also nun das Gefühl, dass die Position des Glases nicht wirklich stimmig ist?
Die Beantwortung ist eigentlich trivial: das Glas als Objekt ist für die Bildfläche viel zu groß, um es als solches genau zu „platzieren“. Welches ist denn der „bildwichtige Teil“ eines Glases, den ich im goldenen Schnitt platzieren soll? Bei einem Auge eines Portraits ist das schon sehr viel einfacher. Durch Experimente habe ich herausgefunden, dass man in einem Objekt einen Punkt festlegen kann, der so ungefähr als „optischer Schwerpunkt“ bezeichnet werden könnte. Legt man nun genau diesen Punkt auf einer der sich kreuzenden Linien ab, so sieht das Ganze schon sehr viel harmonischer aus.
Eine ähnliche Vorgehensweise habe ich bei dem Produktfotografen Hubert Schuy (Köln) gesehen, er beschreibt den sog. „Doppelten Goldenen Schnitt“. Hierzu hat er das Objekt (Glas) sehr eng eingerahmt und innerhalb dieses Rahmens ebenfalls die Linien des goldenen Schnitts bestimmt.
Nun wird das Objekt auf der gesamten Bildfläche so verschoben, dass sich die Vertikalen (oder horizontalen) Linien beider goldenen Schnitte überlagern. Das Ergebnis war schon sehr viel harmonischer und stimmte mit der „Bauchgefühl“-Position fast genau überein.
Da ich von Natur aus ein „Tüftler“ bin, habe ich noch eine weitere „Entdeckung“ gemacht. Es gibt noch andere „Regeln“ außer dem goldenen Schnitt, die zu einer harmonischen Bildgestaltung führen sollen. Eine davon ist die „Diagonalmethode“, entwickelt von dem niederländischen Fotografen Edwin Westhoff, beruhend auf zahlreichen Messungen bei Fotografien , Gemälden und Kupferstichen. Er ist der Meinung, dass die „starken Punkte“ auf der Diagonale eines Quadrats liegen. Diese Methode ergibt sich bei rechteckigen Flächen, die im Verhältnis 4:3 oder 3:2 (Kleinbildformat) stehen und werden geometrisch folgendermaßen gebildet:
Man zeichnet in jede Ecke die Winkelhalbierende und kommt so zu zwei Quadraten auf der Bildfläche und somit zu vier Diagonalen. Jeder Punkt auf einer dieser Diagonalen ist ein „starker Punkt“.
Da ergeben sich aber ganz schön viele Möglichkeiten!
Meine Experimentierfreude war an diesem Punkt aber noch nicht zu Ende: ich habe nun die beiden mittleren Schnittpunkte der Diagonalen mit dem goldenen Schnitt des Glases zusammengebracht – und siehe da : das war genau die Position, die mir mein „Bauchgefühl“ schon suggeriert hat.
Klar – nun höre ich euch schon sagen: so’n Quark, dann hättest Du Dir die ganze Arbeit sparen können und Dich gleich auf Dein Bauchgefühl verlassen können. Das stimmt aber nur zum Teil. Gerade in der Produktfotografie kommt es sehr oft auf die optimale Positionierung an und da ist so ein „sicheres“ Hilfsmittel sehr wertvoll. Auf der anderen Seite gilt jedoch trotzdem: wenn es dem Bild zuträglich ist, pfeife ich auf alle Regeln ! Allerdings nicht, bevor ich sie zumindest ausprobiert habe, sie also kenne.
So – und wer sich so tapfer bis an diese Stelle durchgearbeitet habe, für den habe ich eine kleine Belohnung: schreibe mir eine e-mail, dann schicke ich Dir die Photoshop-Aktion „Goldener Schnitt“, die per Knopfdruck eine extra-Ebene über Dein Bild legt mit den Hilfs-Linien des Goldenen Schnittes.
In diesem Sinne, Gut‘ Licht !
Euer Manfred
Dez
15
Anwendung einer Aktion rückgängig machen.
Es gibt zum Teil sehr umfangreiche Aktionen, die man zur Arbeitserleichterung bei immer wiederkehrenden Arbeitsschritten einsetzen kann.
Was aber, wenn man eine angewandte Aktion rückgängig machen will?! Man muss entweder jeden einzelnen Schritt rückgängig machen, oder in der Protokoll-Palette so lange scrollen, bis man den Anfangspunkt der Aktion findet (wohl dem, der in den Photoshop-Einstellungen genügend Schritte für die Protokollobjekte eingestellt hat – ->Voreinstellungen->Leistung->Protokollobjekte).
Es geht aber auch einfacher:
– Machen Sie VOR der Ausführung einer Aktion in der einen „Schnappschuss“. (Ganz schlau wäre es, diesen Schritt bei jeder Aktion als ersten Schritt direkt mit aufzuzeichnen!). Danach können Sie die Aktion sehr einfach rückgängig machen mit nur einem einzigen Mausklick auf den erstellten Schnappschuss.
Im Beispielbild habe ich eine ziemlich lange Aktion benutzt, die über das Bild Hilfslinien legt, welche sich im goldenen Schnitt kreuzen. Am Anfang der Aktion steht der Befehl „Schnappschuss erstellen“, wenn ich also später in der Protokoll-Palette den Schnappschuss anklicke, habe ich das Bild wieder im Originalzustand.
Nov
01
Die >>ALT<<-Taste in Lightroom . . .
. . . ist wohl die wichtigste Zusatztaste beim Einsatz in Lightroom. Der Funktionsumfang wird durch sie ganz erheblich erhöht.
Hier einige Beispiele, wie Werkzeug-Buttons ihre Funktion ändern, wenn sie auf der Benutzeroberfläche mit gedrückter <<ALT<<-Taste angewandt werden:
- Aus dem Im- und Export von Bildern wird der Im- und Export von Katalogen.
- Bei vielen Funktionen wird mittels >>ALT<<-Taste die Einstellung des Panels zurückgesetzt. (Für die einzelnen Regler des Panels wird dies oft mit einem Doppelklick geregelt)
- Bei Stichwort-Sätzen kann man mit >>ALT-Nummer<< Stichwörter einfach per Tastendruck zuweisen.
- Beim Schärfen, speziell beim Wert für Maskieren aktiviert die >>ALT<<-Taste eine kontrastreiche schwarzweiß-Ansicht, die genau zeigt, welche Bereiche geschärft werden und welche nicht.
Nov
01
Eine ganze Reihe von Bildbearbeitungsprogrammen bieten an, sozusagen per Knopfdruck ein komplettes Bild zu bearbeiten.
Nun, ich bin da genauso skeptisch, wie bei den vollautomatischen Aufnahmeprogrammen der digitalen Kameras.
Allerdings muss ich natürlich auch zugeben, dass es manchmal sehr schnell gehen muss und dass es Korrekturen gibt, die inzwischen „per Knopfdruck“ so gut gelöst werden, dass es sich nicht lohnt, die Sache mit „richtigen“ Werkzeugen zu erledigen – man denke z.B. an die „rote-Augen-Korrektur“ !
Wir reden in diesem Beitrag von den „Auto-Korrekturen“. In Photoshop sind sie unter dem Menü <Bild> zu finden, als <Auto-Farbton>, <Auto-Kontrast> und <Auto-Farbe>. Viele Anwender kennen allerdings nur die direkte Anwendung dieser Funktionen direkt auf eine gerasterte Ebene. Deshalb hier der Hinweis, dass man hier auch einen anderen Weg gehen kann, der sehr viel flexibler und obendrein noch nicht-destruktiv ist, und zwar über eine Einstellungsebene, nämlich die Einstellungsebene <Gradationskurve>.
Dazu klicken Sie für die aktive Ebene das 4.Symbol unten rechts in der Funktionsleiste an und im sich öffnenden Submenü wählen Sie <Gradationskurven . . .>. Wenn Sie an dieser Stelle nun einfach auf „Auto“ klicken, würde eine automatische Korrektur der Gradationskurve vorgenommen werden.
Sie können aber auch mit gedrückter <Alt>-Taste auf <Auto> klicken und erhalten so eine Auswahl : nicht nur die drei oben bereits erwähnten Auto-Korrekturen, sondern sogar noch eine vierte, nämlich <Helligkeit und Kontrast> !
Der Vorteil dieser Art der Anwendung der Auto-Korrekturen liegt klar auf der Hand: man kann so alle automatisch korrigierten Kuven nachträglich anpassen.
Sep
30
Heute bekommen Sie einen Beitrag des Authors Dieter Fischer zu lesen, in dem – wie ich finde – sehr kompetent erklärt wird, worauf Sie achten sollten, wenn Sie nach E-Mail-Anbietern suchen.
Viele Internetnutzer können sich nicht für einen E-Mail-Anbieter entscheiden, weil sie von dem überwältigenden Angebot im Internet irritiert sind. E-Mail-Programme gibt es ebenso viele wie Anbieter, weshalb die Auswahl schwer wird.
Schon mancher, der den E-Mail-Anbieter wechseln wollte, fürchtete sich vor all zu großen Schwierigkeiten, weshalb er letztendlich doch bei seinem alten Anbieter blieb. Wer geschäftlich oder beruflich auf einen reibungslosen E-Mail Versand und Empfang angewiesen ist, muss seine Entscheidung für einen Anbieter sorgfältig treffen und sollte sich vorher gründlich auf der Website www.homepage-erstellen.de über das Thema informieren.
Kostenpflichtig oder kostenlos?
Die meisten, der kostenlosen E-Mail-Programme sind überaus leistungsfähig und in der Lage, selbst die E-Mail Verwaltung von kleineren Geschäftskunden zu bewältigen. Für den privaten Bedarf reicht ein kostenloses E-Mail-Konto mit Sicherheit aus. Unternehmen, die jedoch ein E-Mail Postfach mit komplexen Funktionen und sehr viel Speicherplatz benötigen, dürften mit den kostenlosen Angeboten nicht zufrieden sein und sollten sich für die kostenpflichtige Variante entscheiden. Ein weiterer Vorteil eines kostenpflichtigen E-Mail-Kontos: Der Nutzer wird nicht mehr mit Werbung konfrontiert, über die sich die kostenlosen Anbieter finanzieren.
Für einen Anbieter entscheiden, der wirksamen Schutz vor Spam und Viren bietet.
Die Mehrheit aller weltweit verschickten E-Mails sind lästiger Spam, dessen Aussortierung viel Arbeit machen kann und Zeit kostet. Deshalb sollte ein E-Mail-Anbieter ausgewählt werden, der einen leistungsstarken Filter im Posteingang anbietet, sodass der Spam dort automatisch in einen extra „Spam-Ordner“ aussortiert wird, sodass der Nutzer erst gar nicht mit unerwünschter Werbung belästigt wird. Ebenso ist darauf zu achten, dass der E-Mail-Anbieter über ein leistungsstarkes Sicherungssystem verfügt, das in E-Mails versteckte Viren aufspürt und unschädlich macht.
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